Con motivo de la publicación de EVAR, el nuevo trabajo de Radio Transmission en Gordo Trax, os proponemos un recorrido por el diálogo entre música y poesía, la trayectoria de Pedro Viñuela, su investigación técnica y su relación con el sello y la escena que lo rodea.
Radio Transmission, alias artístico del productor Pedro Viñuela Romero, presenta «EVAR» [GTX044], un nuevo álbum publicado en Gordo Trax que trasciende los códigos habituales de la música electrónica de club para adentrarse en un territorio mucho más introspectivo y emocional. Compuesto por once piezas, el trabajo se mueve entre el techno, el IDM, el ambient y la electrónica experimental, construyendo un relato sonoro que invita a explorar las diferentes etapas de una experiencia nocturna.
«EVAR» nace como la otra cara de «RAVE: Amaneceres que no terminan», el primer poemario de Pedro Viñuela Romero. Ambos trabajos comparten un mismo universo conceptual y recorren una curva emocional que transita desde la expectación inicial hasta la entrega, la intensidad, el agotamiento y, finalmente, el regreso. Si el libro utiliza las palabras para explorar las sensaciones asociadas a la cultura de club, el álbum traslada ese mismo imaginario al lenguaje de la música electrónica.
¿En qué momento decidiste que RAVE y EVAR debían formar parte de un mismo universo creativo?
Hola, mientras escribía los primeros bocetos de RAVE, cuando me ponía a hacer música, descubrí que sin pensarlo en mi música estaba describiendo las sensaciones que quería transmitir con la escritura. La música es mi medio natural, así que en algún momento, con algunas canciones sonando en casa, mientras repasaba textos, vi que el sonido enriquecía la experiencia y que tenía el material ahí, sin más. No fue premeditado, solo surgieron ambas cosas a la vez y me pude dar cuenta de qué pertenecían al mismo universo.
¿Qué nació primero: la escritura del libro o la construcción sonora del álbum?
Primero el libro. De hecho, en realidad es mi segundo libro, lo empecé a escribir tras uno que aún no está del todo terminado. RAVE se escribió muy rápido en paralelo a este que te digo. La música iba surgiendo a la sombra del libro, pero casi a la vez.
El libro se articula alrededor de cinco momentos: Ascenso, Ritual, Clímax, Descenso y Retorno. ¿Qué te llevó a elegir ese recorrido?
Al principio no veía una narrativa clara, pero luego fue tomando forma la idea de esas 24 horas. Esos momentos son los puntos claves que describen de dónde viene el personaje y adonde va. Creo que donde mejor se ve es al final, pero no digo más!
¿Qué representa para ti ese instante en el que termina la fiesta, amanece y toca regresar a casa?
Para mí es el momento donde termina la magia. A partir de ahí, volvemos a ser quienes somos realmente. Con nuestras maravillas y también con nuestras miserias. Cambiamos la energía de los momentos difusos de la noche por la inercia y la monotonía. Es el cambio de identidad y donde termina un loop, para dar paso a otro.
El club aparece como refugio, pero también como una forma de aplazar el encuentro con uno mismo. ¿Es esa contradicción uno de los motores conceptuales de EVAR?
Sin duda. Tanto el libro como el álbum tratan de mostrar esa dualidad entre realidad / crudeza, y fantasía / libertad.
Esto ocurre cuando volver significa, abandonar. Cuando acabar, es volver a empezar con otra ropa, con otra finalidad y con otra vida. No es que sea mala la vida de uno, es que el club te permite una libertad que si no lo has vivido es difícil de entender. El anonimato, el no saber a qué se dedica el que baila a tu lado, incluso el idioma, en muchos casos todo carece de sentido porque aunque la experiencia es colectiva, la realidad es única y la forma de vivirlo totalmente egocentrista. Eso era algo que quería explorar.
¿Cómo tradujiste estados como la ansiedad, la melancolía, el agotamiento o la desorientación en decisiones concretas de composición y diseño sonoro?
Para mí, primero debo encontrar algún concepto musical o dirección que me ayude a enfocar lo que siento. Siendo multi instrumentista, me es relativamente natural usar el piano para componer. Aunque sea ambient o techno. Esa dirección tonal y rítmica me ayuda a poner un mapa emocional delante. Luego viene el diseño de sonido. Que por supuesto busca el timbre adecuado al idioma que esté hablando en ese momento, puede ser IDM, Dub o una mezcla de todo lo que me ayude a mostrar esos sentimientos.
¿Hay algún poema o imagen de RAVE que haya determinado especialmente el sonido de alguna de las piezas?
Si, de alguna forma cada canción está influida por los poemas, pero quizá la que más es Ascenso, (la primera del álbum). Creo que la que más me costó a nivel técnico porque quería hacer un resumen del libro en una sola canción.
¿Entiendes EVAR como un relato que debe escucharse de principio a fin o también como una colección de piezas autónomas?
El disco está creado con la estructura completa y el libro por delante, pero creo que las canciones tienen su propia identidad y narrativa. Creo que se puede escuchar de muchas formas diferentes. Para mí, como creador, me interesa el disco de principio a fin, mientras leo los poemas.
Después de tantos años dedicado a la música, ¿qué te impulsó a publicar tu primer libro de poesía?
Siempre me atrajo la escritura, pero nunca me sentí cómodo con hacerlo como proyectos completos, más bien como cuentos, novelas cortas y poemas que de vez en cuando surgían. Yo no soy escritor realmente, mi trabajo es otro muy alejado de eso, pero creo que hay una cosa interesante en ello que pocas veces se puede llegar a dar: cuando escribo, lo hago con un cierto mindset musical y técnico. Con secuencias cortas y un ritmo que viene de ver la vida a través de la música y el sonido. Eso es raro y cuando me di cuenta, me pareció que quizá, después de todo, podría ser interesante hacerlo más en serio y ver a donde podía llegar y si interesaría a otras personas.
¿La escritura era una práctica privada que ya cultivabas o surgió específicamente durante este proyecto?
Llevo escribiendo desde hace muchos años, pero siempre sin un interés realista sobre publicar o crear un proyecto completo. Para mí siempre fueron brotes esporádicos de creatividad. Casi sin forma. Este proyecto, como te comentaba, fue surgiendo de manera rápida pero natural. Yendo de casa al estudio en el metro, observando lo que veía en Berlín a mi alrededor, en clubes como RSO o Berghain y recordando sensaciones y experiencias de mi propia vida.
¿Hasta qué punto RAVE parte de experiencias autobiográficas y hasta qué punto construye una voz poética propia?
Todo lo que escribo es siempre, y por encima de todo, honesto. No hay pose ni invenciones. Es mi experiencia. Es mi vida de una u otra forma. Aunque por supuesto esta poetizado y encajado dentro de la narrativa del libro. Pero ese soy yo. Por ejemplo, el poema “Resonancia”, lo escribí en su primera versión sentado en el club RSO descansando. De pronto vi claro como el sonido del club es especial no solo por el volumen y definición, sino por la integración con paredes y mobiliario. Las paredes también vibran y “cantan” sus propias canciones. Así como este ejemplo, te podría dar varios, es mi propia experiencia.
¿Qué puede expresar la palabra escrita que no consigues comunicar mediante el sonido, y al contrario?
La palabra escrita es más fácil de entender por el público. Los recursos de escritura son más simples de codificar (no digo que sea fácil escribir ni mucho menos!), con la música es muy difícil decir algo explícito o muy concreto. Creo que con la escritura se puede describir de forma cinemática un entorno, hablar de unos personajes y crear una historia de forma directa. La música es más emocional y, en mi caso, tremendamente honesta. Yo grabo todo tocando (aunque edite luego) y eso se nota porque soy yo quien crea la emoción y son las emociones las que controlan mis manos. ¿Llega el mensaje igual escribiendo que con música? No lo creo, son dos vehículos emocionales y narrativos diferentes. Cada uno tiene su propio espacio y recursos.
Cada poema está vinculado a una composición. ¿Cómo funciona ese diálogo entre texto y música?
En realidad no son diálogos, la música es más bien una ventana emocional. Una banda sonora para situar emocionalmente la historia y las sensaciones. Es un marco o paisaje donde todo se mueve y ayuda un poco a entender las diferentes capas de lectura.
¿Qué lugar ocupan el ritmo, la repetición, la pausa y el silencio cuando escribes poesía?
Todo. Sin duda. Es la etapa más dura. A veces tengo que borrar ideas muy buenas que simplemente no funcionan en cuanto a ritmo. En poesía cada coma o punto, cuenta tanto como una palabra, cada espacio refuerza las sensaciones y cada silencio ayuda a que el cuerpo, especialmente si lees en voz alta, entienda que está pasando. Es muy importante. Y a mí me viene de la música sin duda.
¿Qué lecturas o autores han acompañado la escritura de RAVE?
Leo mucho a Carver, Ocean, Tempest y por supuesto a Wolfe y Bukoski. También libros de psicología y filosofía pero es otra historia!
¿Publicar el libro ha cambiado tu manera de entenderte como músico?
Me ha ayudado a entenderme mejor como persona. Escribir es maravilloso. Y aparte de un aprendizaje, es sin duda un viaje de autoconocimiento.
¿Qué espacio ocupa Radio Transmission dentro de tu trayectoria y qué libertad te ofrece frente a tus otros proyectos?
Para mí Radio Transmission ocurre cuando me pongo el sombrero de productor de Techno. Normalmente para ambient e IDM uso el nombre Spoweck. Pero últimamente las líneas se desdibujan. Todo está fluyendo hacia un sonido más como EVAR, una mezcla de todo lo que me interesa en cuanto a estilo y sonido. Así que no sé cuál se quedará en el futuro, pero convergen a uno solo, eso lo veo claro.
Has desarrollado distintos lenguajes en proyectos como Spoweck y Acid Clouds. ¿Qué inquietudes comparten y cuáles reservas específicamente para Radio Transmission?
Spoweck surgió dentro de una estética glitch e IDM en 2003 o 2004. Antes de eso hice break beat como Game Over con DJ Nitro en Sevilla y trip hop experimental con Liquid Noise (Que lamentablemente no llego a nada). Luego llegaron Elka, Errorlicks y ODD OZZ. Que compartían con Spoweck mi amor por el ruido, la sintesis granular y MAX/MSP. Todo lo publiqué con la netlabel que creamos Áurea Mazo (Caperuza Roja) y yo. Luego estuve liado con el minimal mucho tiempo con varios sellos bajo el nombre de Pedro Romero y en 2011 surgió Radio Transmission. Acid clouds es otra película, es un dúo junto a DYCA (Iván Corrochano), basado sobre todo en hardware, modulares e improvisación.
En EVAR conviven techno, ambient, dub, IDM y experimentación. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre pulsión rítmica y construcción atmosférica?
Simplemente surge. No busco nada en realidad. Es emoción pura. No me gusta pensar demasiado musicalmente a no ser que sea trabajo. Mi música como autor es visceral y me gusta que sea así. Improvisó mucho en el estudio y grabó mucho audio en lugar de MIDI, no quiero tener demasiadas opciones de editar hasta el infinito todo.
¿Sueles partir de una idea narrativa o emocional antes de producir, o dejas que el propio material sonoro revele el concepto?
La música surge de mi, y dentro de mi hay ideas, historias y emociones. Aunque suene un poco a “flipado” he conseguido aprender a usar eso para inspirarme al piano, un sintetizador o el instrumento que sea. También aprendí hace mucho, que hay que dejarse llevar por lo que toma el control al tocar, es mágico. La música si la dejas fluir y puedes tocarla con las manos, encuentra su propia forma de expresión y cobra vida propia.
¿Qué importancia tiene para ti que una pieza funcione físicamente en un club frente a una escucha doméstica y atenta?
Honestamente me da lo mismo. Mi meta en todo lo que hago como músico o ingeniero es que todo suene enorme. En el club se notarán unas cosas y en la escucha doméstica otras. Y si vienes a mi estudio probablemente escuches todo. Hago música para mi en primer lugar, luego si gusta, mejor. Pero no pienso tanto en donde se va escuchar, como ingeniero de mastering, creo que debe escucharse lo mejor posible en todas partes.
En el disco hay graves densos, ritmos rotos y espacios casi claustrofóbicos. ¿Buscabas deliberadamente una dimensión física y psicológica del sonido?
No de forma consciente porque el disco surgió como parte de mi proceso creativo musical, no dentro del libro. Pero todo eso llegó porque describía perfectamente lo que quería transmitir con los poemas, así que de alguna forma no surgió de la nada realmente.
Tu trabajo como ingeniero de mastering te ha dado una perspectiva muy amplia sobre la producción musical. ¿Cómo ha transformado esa experiencia tu manera de componer?
Tras casi 30 años trabajando en la industria como técnico, productor profesional, ingeniero de mix y mastering y además educador, tengo que decir que cuando diseño un sonido, ya suena bien de base. No necesito sobre ecualizar o comprimir tanto. Es importante tener conocimientos y más aún experiencia y eso cuenta cuando además creas música.
Desarrollas tus propios plugins y herramientas de audio. ¿Qué necesidades te llevan a programar soluciones propias en lugar de depender únicamente de herramientas comerciales?
Desarrollo sobre todo sistemas que me permiten avanzar de forma rápida mis ideas. Tengo secuenciadores que analizan el audio de mi piano y crean diferentes “motivos” alrededor, también sintetizadores granulares que convierten en drones loops de percusión, y un sistema muy divertido que es un sintetizador que se toca con Faders. Luego tengo efectos y otras cosas que no hay en el mercado. Pero no es que quiera ser el need del barrio, es que soy el nerd del barrio. Y me gusta serlo. Me gusta pensar “vaya, si este sintetizador pudiera hacer esto sería genial. Venga, hagámoslo!” Es libertad creativa.
Dicho esto, no soy ningún hater de los presets y herramientas convencionales, si pongo un sonido que no está hecho por mi, pero me ayuda en la dirección correcta o simplemente conecto con él, lo uso. Están ahí para eso. Antes, cuando instalaba un plugin borraba los presets, pero ahora no tengo ningún problema en dejarlos ahí.
¿Qué conocimientos de programación, matemáticas o psicoacústica consideras realmente útiles para un productor?
Todo conocimiento de cualquier cosa es útil. Siempre. Da igual la disciplina. Pero obviamente en sonido, las mates te ayudan a darle sentido a la física (acústica). Y estudiar sobre percepción, nos ayuda a llegar más rápido a encontrar sonidos que describan emociones. Saber un mínimo sobre composición musical (de orquesta) te lleva a ser más rápido y productivo con todo esto.
Ahora bien, ¿es necesario? No. Hay gente que no tiene conocimientos de nada de eso y son increíblemente talentosos. El arte es una forma de expresión que se puede desarrollar, pero que debes tener dentro. Y creo que todos lo tenemos, pero hay que descubrir cuál es ese arte de cada uno. Puede ser música, pintura, fotografía, escultura… o simplemente diseñar sonidos…
¿Cómo conviven en tu proceso el análisis técnico y la intuición? ¿Hay momentos en los que necesitas dejar de escuchar como ingeniero?
En mi caso, todo va de la mano. Para mí, cuando estoy creando música (ya sea como artista o como productor para otros artistas), necesito “escuchar” en mi cabeza cómo suena. Eso a veces es frustrante pero otras me dicta como debe sonar todo. Es casi un puzzle. Y muchas de las piezas son sin duda la calidad técnica del resultado final. Es algo que llevo años haciendo, está totalmente interiorizado y lo hago sin pensar, así que se podría decir que es intuitivo.
Sobre la escucha dejando de lado que soy ingeniero, si. Cuando estoy en casa intento ser alguien que disfruta de la música y no alguien que se dedica a encontrar y arreglar problemas! Pero cuesta un poco deshacerse del sombrero de ingeniero.
¿Qué buscas todavía en el procesamiento analógico que te resulta difícil reproducir en el dominio digital?
Debo decir que hoy en día me da lo mismo la fuente o naturaleza de lo que uso. Me siento cómodo con ambos. Si quiero precisión siempre digital. Si quiero un timbre específico o color recurro a lo analógico. Tengo diferentes fuentes (Moog, Eurorack, Roland y algunas cosas más raras) que son analógicas y me encantan. Suelo procesarlas con un previo de línea Tegeler que lleva un eq tipo pultec y dos compresores en línea. Consigo un sonido grueso y crudo que me gusta mucho, pero en general lo digital me gusta también. Poder crear cualquier sintetizador o procesador es invaluable. El nivel de automatización y precisión igual. Para mí la clave está en poder elegir que se acerca más de entrada a lo que busco.
¿Qué papel tienen la síntesis modular, los procesos generativos y los sistemas no lineales en tu trabajo actual?
Durante mucho tiempo los modulares fueron mi materia prima para Radio Transmission al 90%. Hoy ya no. Prefiero la sintesis FM y granular que son digitales. Sobre secuenciadores, son fundamentales. Tengo varios que producen resultados increíbles y son muy controlables. No quiero depender de la suerte del mágico botón Random, necesito control, pero me gusta cierto grado de caos. Así que son importantes.
Después de masterizar música de tantos artistas, ¿te resulta más fácil detectar los problemas de tus propias mezclas o más difícil tomar distancia?
Es difícil tomar distancia. Sin duda. La parte positiva es que mis oídos escuchan los problemas de forma potencial antes de que sucedan. Por ejemplo, si cuando diseño un bajo, noto que hay mucha energía en los 220 hz, sé que las notas “La” se verán comprometidas con más nivel respecto a otras que no formen parte de su serie tonal (por ejemplo “sol” o alguna que produzca disonancia). Entonces trabajo todo para que antes incluso de mezclar, suene lo mejor posible. Lo llamo creación musical con oído de ingeniero de Mastering.
¿Qué cambios recientes en las herramientas de audio, incluida la inteligencia artificial, te parecen realmente relevantes y cuáles consideras más ruido que avance?
No me gusta depender de las herramientas. Pero creo que los mejores cambios hasta ahora, han sido las mejoras en los procesos no lineales de algunos plugins y el vibe coding para hackear firmwares. Pero también creo que hay que coger todo con pinzas.
Por otra parte, los sistemas de agentes de IA me hacen la vida más fácil con tareas aburridas que mi cerebro AACC y TDAH le cuesta procesar. Así que son bienvenidas.
¿Cómo llegaste a publicar EVAR en Gordo Trax y qué hizo que el sello fuese el contexto adecuado para este disco?
Creo que no existe un sello adecuado o inadecuado, sino gente con la que lanzar un proyecto en el que crean y les guste de verdad. Con Dani y Pablo hay entendimiento y abrazaron enseguida la idea de todo y lo entendieron a la primera. Para mí, siempre lo más importante son las personas, y ellos han sido alumnos míos y amigos. Además de que publiqué en VVAA un tema hace tiempo y he tocado mucho en directo en las fiestas y sesiones de Gordo en Valencia. Es importante sentir conexión artística y personal.
¿Qué conversación artística encontraste con la identidad de Gordo Trax? ¿Sentiste que el sello entendía el universo conceptual de EVAR?
Desde los primeros mensajes con Pablo todo fue natural. El entusiasmo cuando no es real se nota a 10 km. Así que fue honesto y directo. Y si, ellos entendieron el Universo y la intención de todo, tanto libro como álbum.
¿Qué valor tiene para ti publicar en un sello con una identidad reconocible frente a editar la música de forma completamente independiente?
Estoy preparando un sello para mi propio material, y lo podría haber usado para EVAR, pero no quería estar solo en esto. Es importante tener gente alrededor que te ayude a definir ciertas cosas y matices. La trayectoria y conexiones de Gordo es incuestionable y este proyecto además, necesitaba la validación de la propia escena. Real y auténtica. Y si algo tiene Gordo Trax, es autenticidad real por los cuatro costados.
Gordo Trax ha construido un catálogo que atraviesa distintas vertientes del techno y la electrónica. ¿Qué rasgos encuentras en común entre sus referencias más allá de la etiqueta estilística?
Creo que sobre todo, ellos sacan la música en la que creen. No fórmulas. Eso me gusta.
En el catálogo aparecen artistas como Finalversion3, Atisbo, Schrzø, Lucía Gea, Hektor Legion, Lidvall, Stroc, Ekka o Irazu. ¿Hay alguna producción o enfoque que te haya llamado especialmente la atención?
Realmente no tengo mucho tiempo libre para escuchar música por placer. Pero te puedo decir que cada uno de esos artistas tiene algo que los diferencia. No sé si eso, esa diferencia, es precisamente lo que hace que el sello funcione.
¿Has encontrado afinidades musicales o personales con otros artistas del entorno de Gordo Trax durante el proceso de publicación de EVAR?
Mi afinidad con ellos es muy anterior a EVAR, y la afinidad viene de compartir momentos irrepetibles muchas veces!
¿Cómo valoras el papel de Club Gordo y de los sellos independientes en la construcción de una escena electrónica local con proyección fuera de Valencia?
Voy a ser crítico y voy a mojarme. Creo que falta que nos tomemos en serio y con un valor real más alto todo esto. Veo que muchos artistas no tienen una oportunidad real, veo que muchos sellos trabajan con fórmulas y veo que hay mucha pose. Por otra parte, nos falta creérnoslo y hacer que se apueste con financiación por ello. La música de club es cultura, pero debemos creer que es así para poder venderlo como una escena sana y real. Más apoyo entre nosotros, más oportunidades y colaboraciones y más ruido debemos hacer de cara al exterior.
Sobre Valencia en concreto, si. Gordo, como sello y como club, como algunos otros, fomentan el respeto a esta música y forma de vida. Hacer todo eso no es gratis y tiene un coste del que poco se habla. Sobre todo tiempo, pero también monedas. Y como club era debemos apoyarlo y de ser posible, no usar listas para entrar en los clubes y aportar. Ser parte de esto es hacer, ya sea crear música, montar un sello, programar una sesión o ir a bailar. La escena somos todos o ninguno.
¿Crees que un sello debe funcionar únicamente como plataforma de publicación o también como comunidad, contexto cultural y espacio de intercambio?
Lo segundo. Pero entiendo que no deja de ser un negocio. Inviertes dinero y debe rendir. Entonces muchas veces el problema es que no hay tiempo con la vida de uno, familia, curro, tiempo libre… o económico si no hay retorno. Entonces es difícil hacer algo si tu tiempo es currar y atender tu propia vida. Así que creo que todas debemos arrimar el hombro.
¿Te gustaría que EVAR tuviera continuidad dentro de Gordo Trax mediante una presentación en directo, una colaboración o algún formato especial?
Esa es la idea. Tengo un directo diseñado como Radio Transmission con techno peak time para club. Además de presentaciones tanto del disco como del libro en diferentes espacios culturales. A ver si promotores y programadores se animan.
Has compaginado creación, ingeniería y docencia. ¿Qué te han enseñado tus alumnos y qué intentas transmitirles más allá de la técnica?
Humildad. He aprendido mucho de todos ellos y ellas. No solo hay que saber cosas. También hay que saber aplicarlas y moverlas. También la escucha crítica musical. Es algo que es difícil por la falta de objetividad, pero se puede. Pero sin duda me quedo con la humildad. Ver cómo muchas de ellas y ellos han afrontado sus carreras desde el principio me hizo ver que la vida es mucho más rica y compleja de lo que nos parece según nuestra propia experiencia.
¿Crees que el acceso generalizado a herramientas de producción ha democratizado la música o también ha favorecido cierta homogeneización del sonido?
Hay de todo. Yo solía decir hace años: Mp3 nos hará libres. Esto venía de la capacidad a principio de este siglo, de poner a la disposición de cualquiera tu propio trabajo sin el filtro de un sello. Pero es cierto que hubo y hay tendencia a usar siempre los mismos sonidos. Pero bueno, son modas, supongo. La democratización tecnológica nos debe invitar a la reflexión y la experimentación. Me atrae no quedarme encajonado en unos sonidos determinados y me gusta escuchar apuestas arriesgadas. Al fin y al cabo, Techno (tecnología) debería ser la música del futuro.
¿Qué escenas, artistas o sellos mantienen actualmente tu curiosidad y tus ganas de investigar?
Me gusta la música arriesgada, pero también lo tradicional como el jazz y el new wave. Ultimamente, dentro de la electrónica huyo de nombres conocidos. Pero me sigue gustando mucho Klockworks, Semántica, Downwards y artistas como Andy Sttot, Overmono, Skee Mask, Phase Fatale, Scion, Yann Cook y mucha gente de aquí de Berlín que no son muy conocidos pero que coincido en filosofía.
¿Sientes que EVAR abre una nueva etapa para Radio Transmission o que lleva más lejos inquietudes que ya estaban presentes en trabajos anteriores?
Lo siento como una evolución y a la vez un punto de encuentro en mi música y proyectos.
Después de cruzar música, poesía e investigación sonora, ¿qué territorio creativo te gustaría explorar a continuación?
La fotografía. Llevo años con ello pero aún siento que no estoy en el nivel que deseo. De momento me tengo que concentrar en mis libros futuros y nueva música. La vida no me quiere dar más horas que 24 por día y la verdad, no me llegan para todo!!
